Die Künstlerin Viktoria Maier arbeitet an der Schnittstelle von Performance, bildnerischer Gestaltung und Fotografie. Die Einbindung der Umgebung und die szenische Erforschung der Umwelt sind zentrale Elemente ihrer Arbeiten.

viktoriamaier.de

#distance ist konzipiert als Bildschirmduett. Es sind zwei Videos, die erst zusammen den gemeinsamen Tanz ergeben. Je nachdem, wie man die Bildschirme anordnet, wird sich immer wieder ein neues Bild von Isolation, (mechanischem) Alltag und Hoffnung ergeben. Die Themen Nähe und Distanz im Tanz können so auf neuartige Weise direkt im eigenen Wohnzimmer verhandelt werden.

Empfohlen wird die Verwendung von zwei verschiedenen Bildschirmen, davon einer beweglich. Denkbar sind zum Beispiel Fernseher und Tablet oder Laptop und Handy. Sollten keine zwei Geräte verfügbar sein, können die Videos auf einem Bildschirm in zwei Fenstern nebeneinander gesehen werden. Dabei ist es sinnvoll, dass die Fenster nicht fixiert sind, sondern im Bildschirm bewegt werden können. Das volle Erlebnis wird dann erzielt, wenn mit der Positionierung der Bildschirme gespielt wird und diese während dem Tanz immer wieder bewegt werden.

Die Videos sind benannt in 1/2 und 2/2. Beide enthalten dieselbe Tonspur, daher muss ein Video stumm geschaltet werden. Die Verwendung von Kopfhörern oder Lautsprechern zum Abspielen des anderen Videos, wird für den optimalen Klang empfohlen.

Vorgehensweise:

1. Auf beiden Geräten die Website des figuren.theater.festivals aufrufen.
2. Beide Videos öffnen, jeweils eines in einem Bildschirm, jedoch noch nicht starten.

3. Ggf. Kopfhörer anstecken und eines der Videos stumm schalten.
4. Zunächst das Video 1/2 starten. Es beginnt mit einem Countdown, der von drei herunter zählt.

5. Sobald das Wort Start erscheint, bei dem Video 2/2 auf dem zweiten Gerät den Play-Button drücken und somit das Video starten.

Die Videos sind aufeinander abgestimmt und sollten zusammen rezipiert werden. Während die Videos laufen kann die Anordnung oder Position der Bildschirme gerne immer wieder verändert werden.

Auf der Suche nach Inspiration reisen Künstler:innen um die ganze Welt. Vor allem in Musik und Tanz ist internationaler Austausch von besonderer Bedeutung. Momentan ist dies jedoch nicht möglich und es stellt sich die Frage, ob neue Energien tatsächlich nur durch reale Begegnungen entstehen können.

Das Trio Miosko und das SETanztheater haben sich zusammengeschlossen, um das Nachhaltigkeitspotential ihrer Kunst mithilfe von digitalen Möglichkeiten auszuloten: Wie fern können sich Musiker:innen und Tänzer:innen in ihrem Zusammenspiel sein? Dafür holen sie eine internationale Tanzcompagnie live und CO2-frei nach Nürnberg und lassen die zweidimensionalen Tänzer:innen mit den anwesenden Zuschauer:innen, Musiker:innen und einer Solotänzerin interagieren.

Das Trio Miosko bewegt sich stilistisch zwischen Neuer Musik, klassischer Kammermusik, Neuem Jazz und improvisierter Musik und kreiert so seine ganz eigene Klangsprache. Das SETanztheater ist für seine genreübergreifenden Produktionen im Stil des choreografischen Theaters bekannt.

triomiosko.de

Premiere

Was, wenn die Beziehung der Menschen zu ihrer Umgebung zwar unsichtbar, aber auf stofflicher Ebene existent wäre? Die Pandemie hat gezeigt, dass wir durch unsichtbare Fäden miteinander verbunden sind und mit den Räumen, die uns umgeben. Das Projekt „RDD“, das von dem Soundkünstler Jan St. Werner (Mitglied des Elektro-Duos „Mouse on Mars“) an der AdBK Nürnberg initiiert und in Zusammenarbeit mit dem Leonardo-Zentrum realisiert wurde, führt unsere Beziehungen zu Klang und deren komplexe dynamische Zusammenhänge anschaulich vor. Gemeinsam mit dem Künstler und Ingenieur Michael Akstaller, der Künstlerin Nele Jäger, dem Programmierer Oliver Mayer sowie dem Robotik-Unternehmen „Evocortex“ wurde ein millimetergenau lenkbares Lautsprechersystem entwickelt, das einen Raum mit Klangwellen aktiviert und seine Eigenarten akustisch auslotet.

Für das internationale figuren.theater.festival wird eine neue Komposition erstellt, die das Neue Museum als Ort der Visualität akustisch hinterfragt. Klang wird hier für ein Verständnis von Architektur genutzt. Das Publikum erlebt ein robotisches Ballett, das an das Triadische Ballett von Oskar Schlemmer erinnert und diesen Ansatz in die Welt der Maschinenintelligenz übersetzt.

Nach der Performance wartet ein Soundspaziergang „City is listening / Echos“ entlang der Pegnitz.

adbk-nuernberg.de
leonardo-zentrum.de

© Jan St. Werner

robbertenfrank.com

© Phelim Hoey

© Robbert & Frank Frank & Robert

© Phelim Hoey

Wir befinden uns in einer hypothetischen Krise, Häuser und Luft sind kontaminiert und die Menschen sind angehalten, ihr Leben an geschützte Orte zu verlagern. Die Aufforderung „#StayHome“ kehrt sich um in „#StayOut“: Transparente, blasenförmige Architekturen werden auf den Straßen zu einer neuen Infrastruktur des Wohnens installiert. Spielerisch-forschend, teils parodistisch, nähert sich „#StayOut“ diesem Szenario an. Durch die Zuspitzung von stereotypen Verhaltensweisen werden aktuelle gesellschaftliche Tendenzen reflektiert und dystopische sowie optimistische Zukunftsvisionen erprobt.

Marco Canevacci und Yena Young sind Plastique Fantastique – ein in Berlin beheimatetes international renommiertes Künstler:innenduo, das mit seinen fantastischen, ephemeren Raumobjekten um die Welt zieht und u. a. den venezianischen Pavillon der 58. Kunstbiennale in Venedig bespielte. Sie kreieren großformatige Installationen aus Luft und Folie, verbinden Architektur, Choreografie, Komposition und Szenografie und schaffen so multisensorische Erfahrungswelten. Mit ihren Installationen, die in verschiedene Umwelten implementiert werden können, aktivieren und teilen Plastique Fantastique (neuen) öffentlichen Raum. Mit den transparenten Hüllen befragen sie das Verhältnis von Innen und Außen, von Öffentlichem und Privatem, von Kommunikation und Isolation.

plastique-fantastique.de

© Plastique Fantastique

© Plastique Fantastique

© Plastique Fantastique

© Plastique Fantastique

Als am 6. Januar 2021 das US-Kapitol von Anhängern des damaligen US-Präsidenten Donald Trump gestürmt wurde, verwüsteten und beschmutzten diese die Räumlichkeiten, stahlen Dokumente und forderten, den damaligen Vize-Präsidenten zu hängen. Das alles zog sich über Stunden, fast ungehindert von den wenigen anwesenden Polizist:innen. Als im Juni des Vorjahres im Zuge der Black Lives Matter-Bewegung gegen strukturellen Rassismus und die Ermordung von George Floyd protestiert wurde, begegnete man den friedlichen Demonstrant:innen mit einem Großaufgebot von Polizeikräften in Kampfausrüstung, die aufgefordert waren den Protesten mit Gewalt zu begegnen.

„Are We Great Again?“ will diese Vorfälle mit den Mitteln des Objekttheaters nach- und dabei die Rolle der Polizei in den Vordergrund stellen, während der Performer bzw. Einsatzleiter ein typisch US-amerikanisches Gericht zubereitet: einen Cheeseburger.

Andreas Pfaffenberger, geboren in Oberösterreich, studierte zeitgenössische Puppenspielkunst an der HfS Ernst Busch und lebt heute als Puppenspieler und Regisseur in Berlin. Sein Weg führte ihn bereits zum Festival Ars Electronica nach Linz, an das tjg. Dresden, zur Schaubude Berlin oder ans FFT Düsseldorf. Dabei beschäftigt er sich meist kritisch mit aktuellen Themen wie der Wirtschaftskrise in Europa, dem Erstarken des Rechtspopulismus oder den Anfängen der Flüchtlingskrise. So auch in der Performance „Are We Great Again?“, die extra für das 22. internationale figuren.theater.festival konzipiert wurde.

andreaspfaffenberger

© Andreas Pfaffenberger

Einsamkeit und Sehnsucht – zwei Gefühle, die in Zeiten der Pandemie von vielen Menschen verstärkt empfunden werden. Unsere Umgebung ist kleiner geworden, enger und gleichzeitig steigt die Sehnsucht nach Kontakt zu anderen Menschen und deren Berührungen.

Auch Badada lebt allein, eingeschlossen von den Wänden ihrer kleinen Wohnung. Von der Außenwelt abgeschnitten baut die junge Frau eine Beziehung zu ihrem Apartment und den Objekten, die sie darin umgeben, auf. Sie ist gefangen in trist anmutenden alltäglichen Routinen, in einer Welt voller Ängste und Fantasien. Sie scheint sich auf das Leben „da draußen“ vorzubereiten und schafft es doch nicht, mehr als eine Zuhörerin und Zeugin der Leben anderer zu sein.

In dem intimen Solo-Stück der israelischen Künstlerin Shay Persil steht nicht nur die Puppe Badada im Mittelpunkt, sondern auch die Darstellerin selbst. Ihre eigenen Erfahrungen aus Zeiten, in denen sie in kleinen überfüllten Wohngemeinschaften lebte, und die Geräusche, die von draußen hereindrangen, inspirierten sie zu der Geschichte. Sie bemerkte, dass es eine Kluft gibt, zwischen dem, was wir sehen und erleben und dem, was wir hören und uns vorstellen.

© Uri Rubinstein

© Uri Rubinstein

Das performative Projekt „Signs of Life“ bringt die Parallelwelten der Künstler:innen in Erlangen zusammen. Während die Zuschauer:innen in einem Schaufenster die Puppenspieler:innen in ihrer natürlichen Umgebung – der Werkstatt – beim Arbeiten beobachten können, erkundet der Bär die Erlanger Innenstadt. Das gesammelte Videomaterial seiner Entdeckungstouren wird rund um die Uhr auf einem Bildschirm in der Werkstatt zu sehen sein. Jeden Abend finden sich die Darsteller:innen zu einer Performance zusammen und zeigen, was der zurückliegende Tag gebracht hat.

Die Künstler:innen Franziska Merkel, Samira Wenzel und Stefan Wenzel produzieren seit einigen Jahren erfolgreiche Figurentheaterstücke, die auch international gastieren. Als Kollektiv richten sie den Fokus ihrer Arbeit auf hierarchiefreie Stückentwicklungen, Ensembleregie sowie die Erarbeitung zeitgenössischer Figurentheaterformen und musikalischer Crossover-Projekte.

lehmann/wenzel/merkel

© Lehmann Wenzel Merkel

© Lehmann Wenzel Merkel

© Lehmann Wenzel Merkel

Ohne sich zu sehen, ohne zu wissen, wer der oder die Andere ist, werden zwei Besucher:innen in zwei getrennte Räume geführt und erhalten dort ein Headset. Die Aufgabe: Sich 15 Minuten lang schweigend einfach nur auf den eigenen Atem zu konzentrieren, dem Atem der anderen Person zu lauschen, sich einzulassen und offen zu sein, für was auch immer dann passieren wird …

Katja Kendler studierte Schauspiel und Regie in Berlin, assistierte anschließend am Theater für Niedersachsen und am Staatstheater Nürnberg und arbeitet seit 2012 als freischaffende Regisseurin, Projektentwicklerin und Dramaturgin.

Im Anschluss an die Performance gibt es die Möglichkeit, sich über das Erlebte an der frischen Luft auszutauschen.

Träumst du auch von einer besseren Welt? Selbst hunderte Egoisten bilden keine Gemeinschaft, aber ein einzelner Mensch kann den Unterschied machen. Dieser Mensch kannst du sein. Lass uns dir helfen, die Welt wieder mit anderen Augen zu sehen. Nimm an „Spank for Spa“ teil und werde ein besserer Mensch!

In Zeiten von Einschränkungen und Verzicht scheinen Momente der Zufriedenheit und des Glücks bedeutsamer denn je. Eben diese Augenblicke bietet „Spank for Spa“ den Besucher:innen in Form eines kurzen Wellness-Erlebnisses an. Doch nicht für alle: Jemand aus der Gruppe muss seine Bedürfnisse hinter die der anderen stellen. Wärst du bereit, für das Wohlbefinden deiner Mitmenschen zu verzichten? Könntest du es mit deinem Gewissen vereinbaren, dass eine Person für deinen Komfort zurücksteckt? Würdest du deinen Vorteil überhaupt genießen, wenn er zum Nachteil anderer wird? Des einen Freud, des anderen Leid …

In der experimentellen Anordnung konfrontieren Martin Fürbringer und Claudia Schulz die Besucher:innen mit existentiellen gesellschaftlichen Fragen. „Spank for Spa“ stellt die Gruppe vor die Herausforderung, eine Entscheidung zu treffen, die den Verlauf der Performance für alle Teilnehmer:innen festlegt.

Die beiden freischaffenden Künstler:innen Martin Fürbringer und Claudia Schulz haben an mehreren Projekten, unter anderem mit dem Theater Zwangsvorstellung, zusammengearbeitet und sind nun das erste Mal beim figuren.theater.festival zu Gast.

Unterstützt von der Arbeitsgemeinschaft Kultur im Großraum

martin-fuerbringer.de